Если ваша дочь станцует вальс хотя бы раз, она более не может считаться благопорядочной девицей. Рука чужого мужчины на ее талии – это клеймо, которое не смыть никакими слезами покаяния. Оберегайте своих дочерей от этого постыдного кружения, если не хотите увидеть их опозоренными. 
- из немецкого руководства по этикету и воспитанию юношества, 1797 год.

В прошлой статье мы говорили о менуэте – танце безупречной сдержанности, строгой геометрии и бесконечных поклонов, где партнерам позволялось лишь на секунду соприкоснуться кончиками пальцев. Время шло, и на смену холодной придворной дистанции пришел вальс, который современники тут же окрестили «греховным кружением». 

Представьте себе бальный зал рубежа веков: вместо привычного чинного церемониала кавалер вдруг смело берет даму за талию и увлекает ее в стремительный, головокружительный вихрь.

Сегодня нам сложно представить, что этот благородный ритм на три четверти когда-то казался верхом бесстыдства. Вальс стал первым в истории балов танцем, где люди начали открыто обниматься, превратив обычное кружение в настоящую телесную революцию, бороться с которой консервативному обществу пришлось почти полвека.

Социальная революция: из крестьянской грязи в королевские залы

Вопреки стереотипам, история вальса началась не в роскошных венских залах. Его настоящая родина – альпийские деревни Германии и Австрии, где крестьяне танцевали «Ländler» – танец, где парень кружил девушку, крепко прижимая к себе, под грубую скрипку и цимбалы. Это были простые ярмарочные забавы, крестьяне в тяжелых башмаках топали по глиняному полу и подбрасывали партнерш. В этом кружении было много жизни, сена и пива, и не было придворного этикета. Позже музыканты ускорили ритм, добавили четкий трехдольный размер. Так родился вальс (от немецкого walzen – «кружиться», «катиться»).

В 1770-х годах молодые аристократы, возвращаясь из европейских путешествий, начали привозить моду на все «народное». Германские княжества славились своими деревенскими праздниками, и вальс постепенно просочился на дворянские балы сначала как «эксцентричный номер» для самых смелых. 
Настоящий же взрыв случился во время Наполеоновских войн (1792-1815). Французская армия маршировала по Европе, а вслед за ней тянулись чиновники, купцы и авантюристы. Везде, где появлялись французы, местные элиты начинали подражать всему новому. Вальс оказался идеальным спутником эпохи перемен: быстрый, свободный, без сложных многочасовых фигур.
Когда после разгрома Наполеона победители съехались на Венский конгресс (1814-1815), выяснилось, что вальс умеют танцевать абсолютно все. Немцы принесли его из деревень, французы переняли у немцев, а русские и англичане подсмотрели у французов. Именно Вена стала тем местом, где скандальный танец окончательно «легализовался» на глазах у коронованных особ, навсегда стерев былые сословные барьеры.

Революция приличий: анатомия скандального объятия

Главным камнем преткновения в вальсе стало то самое «непристойное» положение рук. Если в менуэте любое прикосновение вне танца считалось оскорблением чести, то вальс бесцеремонно нарушил это табу. Мужчина публично клал руку на талию женщины, прижимая ее к себе в движении. 

Общество ответило волной негодования, в которой объединились и моралисты, и медики. Врачи того времени всерьез предостерегали в газетах, что стремительное вращение сжимает легкие дам, вызывая обмороки, «нервную лихорадку» и даже бесплодие. Английский врач утверждал, что вальс вызывает болезни матки, туберкулез и безумие. Другой «эксперт» доказывал, что от вальса немеют пальцы на ногах. Духовенство и вовсе окрестило вальс «танцем дьявола», видя в физической близости партнеров прямой путь к потере девичьей стыдливости. Немецкий трактат 1799 года писал:

Вальс распаляет страсти, кружит голову, заставляет забыть о приличиях. Девушка, танцующая вальс, теряет свою невинность ещё до свадьбы.

Даже лорд Байрон, чья собственная репутация была далека от идеала, не удержался от критики и посвятил вальсу язвительную поэму, обвиняя танец в бесстыдстве. Однако вся эта кампания против «порочного кружения» лишь подстегивала интерес публики. Чем больше танец ругали в прессе, тем активнее молодежь видела в нем символ искренности и личной свободы, которой так не хватало в скучных правилах.

Политическая революция: вальс под запретом и страх перед свободой

Пока Европа кружилась, монархи старой школы в ужасе хватались за голову. В свободном ритме вальса они видели не просто танец, а опасный дух французского вольнодумства и призрак революции. Власти понимали: когда люди начинают так бесконтрольно обниматься и нарушать дистанцию, ими становится гораздо сложнее управлять.

Первый удар по вальсу нанесли немцы. В 1760 году в Баварии вышел указ: «Вальс запрещается. Мужчине запрещается кружить женщину, держа ее за талию. Нарушители будут оштрафованы».
Швейцария пошла дальше. Вальсировать на публичных балах было запрещено, только в частных домах.

Настоящая война развернулась в Англии.
В 1816 год газета «Таймс» публикует гневную статью: «Танец, где мужчина так близко прижимает к себе женщину, – это верх неприличия. Он разрушает нравственность и ведет к распутству. Мы требуем запретить вальс в Англии!»
К статье прилагалось письмо анонимного врача: «Я видел, как молодая девушка после вальса потеряла сознание. Ее глаза закатились, дыхание перехватило. Это – эпилепсия, вызванная развратными движениями».
Вальс объявили «немецким развратом», «танцем проституток», «заговором против британской морали». Однако запретить его не успели – вмешались дамы из высшего общества. Они заявили: «Мы будем танцевать вальс, даже если король против».
Король Георг IV (большой любитель женщин) не стал спорить.

В России император Павел I, фанат строгой дисциплины, в 1797 году официально запретил вальс под угрозой высылки из столицы. Полиция внимательно следила за частными балами, выискивая тех, кто посмел нарушить «священный зазор» между партнерами. Прусский кайзер пошел еще дальше, запретив офицерам танцевать вальс в мундирах - считалось, что это роняет достоинство армии. Так вальс ушел в подполье – его танцевали на частных вечеринках, задернув шторы и выставив часовых. Сын Павла, Александр I, тоже не жаловал вальс. Но после Венского конгресса, где сам кружился до утра, передумал. Хотя 1820-е годы вальс легализовали, старые нравы все же держались долго.

Культурная революция: рождение поп-культуры

После того как политические барьеры рухнули, вальсу понадобился свой манифест, и он получил его благодаря семье Штраусов. Иоганн Штраус-сын стал первой настоящей поп-звездой в истории музыки. То, что происходило на его концертах в Вене, Париже и Петербурге, современники описывали как массовое безумие, очень похожее на более позднюю битломанию.

Штраус не просто писал музыку – он ускорил темп вальса, сделав его летящим, динамичным и невероятно сложным. Теперь, чтобы удержаться в вихре венского вальса, требовалась безупречная координация и выносливость, а сам танец превратился в культ молодости и чистой энергии. 

Россия подарила миру Михаила Глинку. Его «Вальс-фантазия» – первое серьезное симфоническое сочинение в жанре вальса. Глинка вальсировал так страстно, что однажды, кружась с дамой на балу, не заметил, как его фрак загорелся от свечи.

Английская королева Виктория обожала вальс. На ее свадьбе с принцем Альбертом вальс танцевали пять часов подряд.

Из некогда запрещенной крестьянской забавы вальс превратился в эталон хорошего тона. Если раньше вальс разрушал репутацию, то теперь неумение вальсировать означало социальное поражение. Танец, с которым так долго боролись монархи, стал главным символом эпохи Романтизма.

Так вальс легализовал физическую близость в публичном пространстве. Он доказал, что объятия на людях могут быть не только пристойными, но и эстетически безупречными. По сути, этот танец научил человечество доверять своим телам и не бояться легкого головокружения от свободы.

Со временем вальс, конечно, оброс собственными правилами, стал академичным и занял почетное место в списке «классики». Тем временем на окраинах Парижа уже созревал яростный канкан, но это уже совсем другая история.

Слышали ли вы когда-нибудь мысль, что музыка, которую мы слушаем – репрезентирует нас и то, как мы видим мир? Например, человек, который любит техно, скорее всего, ценитель глубоких ритмов, повторений, который находится в поиске трансовых состояний и концентрации. Или персона, которая любит спокойную музыку, находится в стремлении к умиротворению и внутренней гармонии.

Вроде бы не звучит как бред, так ведь? А это обычно так и происходит, смотришь на человека и видя его экстравертскую натуру думаешь, что наверное и музыкальный вкус у такого человека энергичный и яркий.
Конечно, не стоит судить книгу по обложке. Бывает и такое что, у милой и тихой девочки, которая вся в розовом, в наушниках играет хард-метал. Мы все таки живем в 21 веке, и люди не загоняют себя в рамки. Но ведь музыка влияет не на внешний вид, а на наше мышление.

Наши предки с давних времен знали, что музыка – это целитель, а не просто набор звуков. Думаете почему люди в древности собирались все вместе и просто пели (ну или пели и танцевали)?
Во-первых, просто пение под мелодию или без успокаивает, дает телу расслабиться, дает энергию наружу. А во-вторых, это сплочает людей. Пение в древние времена создавало чувство единства, защищенности и причастности к коллективу. Благодаря пению, сообщества и поселения людей быстрее находили общий язык между друг с другом.

Британскими учеными доказано, что пение действительно сплочает. Итак, они провели эксперимент. Просветители ассоциации рабочих Великобритании организовали курсы пения для всех желающих, проводившиеся на протяжении семи месяцев. И параллельно с ними, ученые так же проводили курсы для добровольцев в других коллективных активностях, например, умение писать прозу. В ходе исследования, ученые каждый месяц проводили опросы среди участников, что они чувствуют по отношению к своим одногруппникам. И как результат, пение действительно сближало учеников курсов пения друг с другом гораздо ближе, чем учеников по прозе уже во время первого занятия. Как итог, британские ученые пришли к выводу, что пение и в древние времена сплочало общества.

А что, если люди пели не для того, чтобы сплотиться, а просто потому что не умели разговаривать…? К сожалению, к этому нету научного объяснения, но где-то в воздухе витает мысль о том, что люди раньше пели, а не говорили. Почему? А потому что наши примитивные звуки ближе к пению, нежели к говору. Подумайте сами, плач, хныканье, крики… Ну, вроде похоже, да?

Кроме того, пение помогает звуку распространяться гораздо дальше, чем просто крик, а это, между прочим, полезно для охотников, чтобы не спугнуть жертву, но донести до остальных охотников какую-либо информацию.

Вокальные техники, такие как проекция, помогают голосу быть более "полётным" и громким, прорезая пространство и преодолевая шум, делая его слышимым на расстоянии без дополнительных усилителей. Народное пение, например, часто использует естественные методы проекции звука, чтобы голос летел далеко на открытых пространствах, используя координацию мышц, а не напряжение горла, что делает его эффективным для распространения без акустического зала.

Слышали ли вы что-нибудь о значении йодлинга или монгольского горлового пения (Хоомей)? Если вы вдруг не знаете, что это, то кратко – это горловые или грудные регистры голоса, которые создают резкие скачки между низкими и высокими нотами или основной низкий тон и высокую мелодичную линию. Вообще, такое пение идет просто как мелодия, без текста, но они могут сочетать куплеты и припевы.

Например, йодль, который распространен в Альпах, был нужен для дальней связи между пастухами и жителями деревень, а также собирателями ягод, рубщиков леса и добытчиков угля. Йодль позволял кричать через долины и даже подзывать скот. А вот, например, хоомей был нужен для имитации звуков природы, общения с духами и еще он служил для охоты и передачи сказаний.

Вернемся к первоначальной мысли этой статьи. Вы спросите у меня, ну как же всё-таки музыка влияет на человеческий мозг? А так, что мозг и тело «настраиваются» на музыку через физиологический отклик. То есть, мозговые и телесные ритмы человека буквально совпадают со звуковыми колебаниями. Но как? А так, что мозговые ритмы и звуковые колебания синхронизируются благодаря слуховой системе, где звуковые волны преобразуются в электрические сигналы и поступают в кору, вызывая колебания нейронной активности в определенных частотных диапазонах.

Гений энергии Никола Тесла считал, что Вселенная – это частота, вибрация и энергия, и мозг работает по тем же принципам, используя эти фундаментальные силы для мышления, визуализации и восприятия. Например, Тесла верил, что правильные вибрации и частоты (например, медленная музыка барокко) могут устанавливать связь с подсознанием и улучшать творческие способности. Эксперименты Теслы с резонансом показывали, как вибрации могут влиять на физический мир, что подтверждает глубокую взаимосвязь вибраций с материей и сознанием.

Знали ли вы, что классическая музыка действительно улучшает работу мозга, активируя области, отвечающие за внимание, память, эмоции, и даже повышает пластичность мозга. А происходит это потому что в классической музыке (особенно времени барокко) имеются несколько сложных мелодий, музыкальных инструментов, которые мозг должен обрабатывать.

Кстати, не только стиль, лирика, ритмы музыки влияют на нас, а также все зависит от инструмента, на котором играют. Звучание каждого музыкального инструмента оказывает влияние на определенную систему организма человека. 

Итак, что же музыка лечит? Позвоночник - барабан, легкие - арфа, сердце - гитара, почки - саксофон, печень - флейта, желудок - клавишные инструменты, желчный пузырь - гобой, поджелудочная железа - труба, тонкий кишечник - скрипка, толстый кишечник - губная гармонь.

Вообще,  любая музыка снимает мышечное напряжение, стресс, повышает подвижность, улучшает настроение через выработку дофамина (гормона счастья), а также повышает продуктивность и концентрацию, влияет на сердечно-сосудистую систему и дыхание, а также может формировать личность, развивать творчество и память

Отсюда следуют подытожить, что музыка, которую мы слушаем неимоверно влияет на нас из-за ее мелодий, вибраций и колебаний. Стоит также отметить, что разные частоты имеют разные предназначения. Например, для расслабления вы можете послушать звуки, соответствующие альфа-ритмам мозга (8-12 Гц).

Я думаю, вы знаете, что любители йоги и медитации также используют разные частоты Герц на фоне. Самыми популярными считаются 432 Гц, которая дарит чувство спокойствия и благополучия или 528 Гц, которая известна как «частота любви», ее связывают с восстановлением ДНК и трансформацией.
На самом деле, если вам интересно, какие частоты используются для восстановления нервной системы или для глубокого сна или любые другие на ваш вкус, вы можете просто вбить в интернете «частоты для определенной цели (пишите свою)» и вам выдаются видео на протяжении двух часов или более. Вы можете просто их включить на фон, даже негромко и слушать, направляя в ваш мозг вибрации.
Не думайте, что вибрации и частоты находятся только в таких видео, они на самом деле есть и в обычных песнях, они есть даже в музыке ваших любимых исполнителей, просто обычно мы их не слышим.

Хочется также напомнить, что вибрации, частоты и мелодии не только единственные аспекты, которые влияют на человеческий мозг. Не стоит забывать и про слова! Так как, когда мы говорим что-то, мы производим определенные вибрации нашим голосом, или другими словами тембром нашего голоса, то это такая же энергия, которая поступает в мир и наш мозг.

Не зря говорят – «Мысли материальны». Хоть для многих это может показаться как просто что-то из философии, но мы то с вами знаем уже, что вибрации действительно направляются в наш мозг и задают свое дело.

Ну так вот, слушая депрессивную музыку, с не очень положительной лирикой по отношению к себе (Например, «Я плохой»), она отдает определенные частоты в наш мозг. Хоть мозг и провозгласил себя самым умным органом, но он все равно воспринимает такие слова как за должное, как что-то реальное. Как результат – картина человека о себе же кардинально меняется в плохую сторону.

Как мы с вами поняли с экспертами, можно утвердить, что: структуры вроде такта, ритма и гармонии в музыке – это стабильные резонансные формы, универсальные для людей, не зависимо от их музыкального бэкграунда.

В преддверии Нового Года и скорого Рождества, я надеюсь, что вы слушаете новогоднюю музыку и поднимаете себе новогоднее настроение! Ведь в мире столько культовых новогодних и рождественских песен, что хочется запастись килограммом мандаринов и смотреть «Один дома».

А я поздравляю вас с наступающим Новым Годом и Рождеством, пусть в Новом Году вас преследует только счастье и любовь!

В первой части мы узнали о том, как звук разделяется на "ноты". Во второй части мы разберёмся, как именно записываются ноты на нотном стане и что означают все эти линии, кружочки и странные значки. Впрочем не все, но необходимые для общего понимания в большинстве случаев - это точно.

Итак, прошло 9 лет с момента публикации первой части. Музыкального образования я так и не получил. Так что, как обычно - о сложном простыми словами,

Нотный стан: музыка как график

Ноты записывают на пяти линиях - это и есть нотный стан. Если сильно упростить, он работает как график:

• слева направо движется время,
• снизу вверх - высота звука.

Чем выше нарисована нота - тем выше звучание. Чем левее - тем раньше её нужно сыграть. Каждая линия и промежутки между ними - это места для записи нот. Можно воспринимать, как разметку.

На рисунке выше мы видим 2 нотных стана для партии пианино (pno.) - сверху для записи высоких звуков, которые, как правило, играются правой рукой, а ниже - для записи низких, или басовых нот, - они играются чаще всего левой рукой. Так как на фортепианных инструментах (пианино, рояль) слева ноты ниже, а справа выше. 

Линии и промежутки между ними - это «деления» высоты. Овал ноты ставится на линию или между линиями, и этим определяется, какой звук нужно извлечь.

Музыкальные ключи: точка отсчёта

Начнём с разбора вертикальной оси - которая отвечает за высоту звука (вертикальная ось - не частота сама по себе, а положение нот по ступеням звукоряда, который связан с частотой не линейно, а логарифмически). Принципиально для понимания две вещи - ключ и линейка.

тобы понять, какая именно нота находится на какой линии, в самом начале пишут ключ - специальный знак, который фиксирует «нулевую» точку по вертикали. Ключ выделяет одну из пяти линеек.

Обратите внимание - на верхнем стане ключ своим первым завитком обводит вторую линию снизу.

Это значит, что на этой линии записывается нота соль первой октавы. А на нижнем стане точки ключа заключают между собой четвёртую линию - на этой линии записывается нота фа малой октавы. Здесь и далее я буду считать ноты, начиная снизу - внизу первая, наверху пятая.

Идея простая:
каждый ключ привязан к конкретной линии и говорит, какая нота там находится.

Вот какие бывают ключи:

• 𝄞 - ключ «соль», обозначает ноту соль первой октавы;
• 𝄢 - ключ «фа», обозначает ноту фа малой октавы;
• 𝄡 - ключ «до», обозначает ноту до первой октавы.

На той линии, где располагается центральный элемент ключа, играется нота, обозначаемая этим ключом, то есть ключ показывает, какая нота лежит на той линии, к которой он “привязан”. У знака ключа могут быть нарисованы дополнительнные знаки, так называемые индексы, которые указывают, что написанные после ключа ноты, следует играть на октаву или две выше или ниже.

Резюме: ключ указывает, какая нота звучит на его линии, а его индексы показывают, что записанные далее ноты нужно играть выше или ниже обычного. Мы будем далее использовать только скрипичный и басовый ключи.

Ключевой момент в понимании ключей - их по сути всего три: фа, до и соль. И в зависимости от того, на какую линию они повешены, у них могут быть специфические подназвания.

• "Соль" на второй линейке снизу - скрипичный ключ, а на нижней линейке это уже старофранцузский ключ.
• "Фа" бывает басо-профундовый, басовый и баритоновый, если его точки обрамляют соответсвенно верхнюю, вторую сверху и среднюю линии.
• У ключа "До" пять разновидностей - по одному на каждую линию (сверху вниз): баритоновый, теноровый, альтовый, меццо-сопрановй и сопрановый.

Ноты

Непосредственно ноты обозначаются на нотном стане на самих линиях и между ними при помощи своеобразных небольших овалов - закрашенных или пустых, с хвостиком или без. Наример:

Мы разобрались, как определить начало отсчёта - на какой линии какая нота из какой октавы записывается согласно ключу. При этом то, в каком месте нарисован овал, определяет какую ноту играть или петь.

Нота состоит из головки (овала), а иногда - из штиля (палочки) и флажков.

• Положение головки определяет высоту звука.
• Внешний вид - длительность.

На второй линии в скрипичном ключе нота соль. В промежутке над этой линией - ля, под линией - фа. Последовательность всегда одинаковая - до ре ми фа соль ля си (звуковой ряд).  Зная, какую ноту обозначает ключ на линии, мы всегда можем посчитать и другие ноты:

Если пяти линеек не хватает для нот, нужных для мелодии, используются добавочные линии, которые рисуются над или под основными в виде коротких чёрточек:

Вот, в целом, и всё - больше никаких тонкостей относительно того, какую ноту играть на инструменте или петь. Как мы знаем из первой части, бывают ноты "с половиной", отличаются на полтона вверх, или "без половины" - такие ноты на полтона ниже. Ведь мы знаем, что в октаве нот не 7, а 12. Важно понимать, каким образом это обозначается на нотном стане. Чтобы обозначить, что нота должна звучать на полтона выше, рядом с ней (овалом) пишется знак "диез" (#), а знак "бемоль" (♭) в случае, если нота должна звучать на полтона ниже. Их так и называют - повышающие знаки и понижающие, а вместе они называются знаками альтерации. Вот какие знаки альтерации бывают:

• Диез (♯): Символ, похожий на решетку или лесенку, повышает ноту на полтона.
• Дубль-диез (𝄪): Повышает звук на целый тон (два полутона).
• Бемоль (♭): Символ, похожий на латинскую букву «b» с заостренной нижней частью, понижает ноту на полтона.
• Дубль-бемоль (♭♭): Понижает ноту на два полутона (целый тон).
  
• Бекар (♮): Отменяет действие диеза или бемоля, возвращая ноту к её обычному звучанию.

Важно! Знаки альтерации действуют на своей линии до конца такта, если они не отменены бекаром. Именно для этого и нужен бекар.

Как понять, когда начинается и заканчивается такт? Для этого разберём длительности, размерность и темп.

Длительности, размерность и темп

В нотах важно понимать не только какую ноту играть, но и когда и как долго. Поэтому теперь мы бегло разберём вторую ось нотного стана - время, которое движется на нём слева направо.

Длительности

Длительность у ноты бывает целая, половинная, четвертная, восьмая, шестнадцатая и так далее. То есть, говоря о длительности, мы всегда оперируем относительными величинами - относительно условного "целого" высчитываем половину, четверть, одну востьмую и остальные. Абсолютная же длительность звучания нот, например, в секундах, определяется темпом, об этом ниже. Пока, для примера, определим в качестве целой ноты - звук в течение 2 секунд.

Целая нота обозначается незакрашенным овалом без хвостика, вот так:

Высоту ноты мы определяем согласно позиции овала - между 3-й и 4-й линейками (в зависимости от ключа это могут быть разные ноты), а длительность по внешнему виду. Кстати, овал принято называть головкой, далее я так и буду его называть.

Если к ноте добавить палочку, которую называют штилем, то она станет половинной - или одной второй:

При целой ноте в 2 секунды длительность половинной - 1 секунда.

Обратите внимание: штиль направлен вверх или вниз, в зависимости от того, где расположена нота. Это не влияет на длительность или высоту, лишь облегчает читаемость. Общепринято направлять штиль вниз, начиная со средней линейки и выше.

Если головку закрасить, то нота станет четвертной:

Если к штилю подрисовать завиток, который называют "флажок", (♪) то нота будет поделена по длительности ещё на два и станет восьмой:

Восьмая звучит по длительности в два раза быстрее четвертной и в восемь раз быстрее целой. То есть при нашей целой в 2 секунды - 0.25 сек или всего 250 мс. Если добавить два флажка, то будет шестнадцатая - играется ещё в два раза быстрее:

И так далее: если добавить ещё флажок, то будет тридцать вторая, потом шестьдесят четвёртая и по большому счёту так можно делить до бесконечности. В действительности ноты быстрее тридцать второй используют редко. Если несколько нот с флажками написаны одна за одной, то их штили соединяют так называемым ребром (♫ ♬):

Вот все длительности от целой до 64-й (слева направо):

Как можно заметить - чем больше всего нарисовано - тем быстрее играется нота. Запомнить очень просто.

Выглядит так (в порядке уменьшения):

• целая ○
• половинная ○ с палочкой
• четвертная ● с палочкой
• восьмая ● с одним флажком
• шестнадцатая - с двумя
• далее - 32-я, 64-я и так далее.

Также в музыке есть паузы (тишина, когда играть ничего не надо). Длительность пауз считается точно также, как длительность нот, только рисуется немного иначе:

Если видите такой знак, то на протяжении его длительности, ничего играть не надо. Обратите внимание, что целая и половинная паузы выглядят почти одинаково - только рисуются в разных местах.

Нота может быть увеличена по длительности в полтора раза, если справа от ноты стоит точка:

Если две точки, то нота длится в 1.75 раза дольше, и так далее.

При размерности 4/4 такт состоит из четырёх четвертных, или одной целой.

Размерность

В целом мелодия состоит из тактов, а в каждом такте определённое количество долей. Размерность определяет количество долей в такте и указывается в начале нотного стана, справа от ключа в виде дроби.

В нашем примере написано 4/4 - в числителе (это сверху) дроби указывается количество долей в такте, а в знаменателе - каких именно долей. Размер - это не дробь в математическом смысле. Доля в данном контексте сочетается с длительностью - соответвенно, зная, что четвертная нота это ♩, мы автоматически понимаем, что в такте может быть таких только 4. Либо две таких - ♩ и одна половинная:

Либо вообще - одна целая - главное, чтобы в сумме все ноты давали 4 четверти. Обратите внимание - мы говорим не про "целую", а про четыре четверти в контексте такта, так как такт может быть меньше целой - это как раз зависит от размерности. Такт может состоять из трёх четвертей или пяти восьмых:

В таких случаях, как выше, такт меньше целой. И вообще - размерность может быть любой, но самые распространённые - это 4/4 и 3/4. 

Казалось бы - зачем вообще нужны такты? Мы выяснили, что такт состоит из долей. В такте есть сильная доля - первая, и слабые - все остальные. Сильная доля - это место в такте, на котором при исполнении делается определённый акцент. То есть - играется чуть погромче, в сильной доле одновременно звучит больше инструментов, чем в других - в общем акцент делается разными способами, в зависимости от инструмента, состава исполнителей и и так далее. Например, строй для маршей - 2/4. Сильные доли в два раза чаще, чем при размерности 4/4.

Такты между собой разделяются тактовой чертой и нумеруются сверху.

Темп

Научимся определять темп произведения, чтобы связать относительные длителности с абсолютными единицами измерения времени. На нотном стане он указан над первым тактом:

Там может быть указано число или слово на итальянском. Если слово - переводим и играем, как сказано. Lento, Moderato, Vivo и так далее. Не очень точно, но крайне понятно! Как по мне, лучший вариант для обозначения темпа - это число ударов в минуту, как на рисунке. Так называемый BPM - beats per minute. Например, при BPM ♩= 120 (120 четвертных в минуту) длительность одного "удара" - полсекунды (или два "удара" в секунду). "Ударом" могут быть и другие длительности. Согласно темпу мы можем определить, как долго должна звучать доля. При теме 60 доля длится 1 секунду, при темпе 240 - в 4 раза быстрее.

Резюме

Чтобы прочитать любую ноту, нужно знать четыре вещи:

• Ключ → где находится какая нота.
• Ноты на стане → высота звука.
• Форма ноты → длительность.
• Размер и темп → как эта длительность превращается в реальное время.

Это вся основа чтения нотной записи - без тонкостей, но полностью достаточная для общего понимания и для того, чтобы «разбирать» простую музыку с листа.

Вы можете пройти тест по прочитанному материалу:

тест по музыке

Далее когда-нибудь рассмотрим тональности и знаки при ключе, я думаю. Однако, я думаю, что об этом сложно рассказывать в тексте без инструмента. Поэтому я попробую до написания статьи смастерить простенький нотный редактор на сайте. Если это будет не очень долго, конечно)

Всем вдохновения! 🧡

Звук — неотъемлемая часть нашей повседневной жизни. Мы слышим голоса, музыку, шум дождя — но что именно стоит за этими звуками с точки зрения физики?

Что такое звук?

С научной точки зрения, звук — это механическая волна, которая возникает в результате колебаний частиц упругой среды. Это значит, что звук не может распространяться в пустоте (вакууме) — ему нужна среда: воздух, вода или твёрдые тела.

Когда источник звука (например, струна гитары или голосовые связки человека) начинает колебаться, он создаёт сжатия и разрежения в окружающей среде. Эти колебания передаются от частицы к частице, образуя продольную волну.

Основные характеристики звука

Звуковая волна описывается несколькими физическими параметрами:

1. Частота (ν) — определяет высоту звука. Измеряется в герцах (Гц). Чем выше частота — тем выше звук.
2. Амплитуда — определяет громкость звука. Большая амплитуда = громкий звук.
3. Длина волны (λ) — расстояние между двумя одинаковыми точками соседних волн.
4. Скорость звука (v) — зависит от среды. В воздухе при 20 °C она составляет примерно 343 м/с, в воде — около 1500 м/с, в стали — более 5000 м/с.

Как мы слышим звук?

Человеческое ухо улавливает звуковые волны, которые попадают в ушной канал, вибрируют барабанную перепонку и передаются во внутреннее ухо. Там они преобразуются в электрические импульсы и передаются в мозг, где и происходит восприятие звука.

Человеческое ухо улавливает частоты в диапазоне от 20 Гц до 20 000 Гц. Звуки ниже 20 Гц называются инфразвуком, выше — ультразвуком.

Звук в разных средах

• В воздухе звук распространяется достаточно быстро, но теряет энергию из-за трения.
• В воде звук распространяется быстрее, потому что частицы находятся ближе друг к другу.
• В твёрдых телах скорость звука максимальна, так как молекулы плотно упакованы и передают колебания эффективнее.

Применения в жизни

1. Музыка — колебания струн, мембран и воздуха создают звуки разных тонов и тембров.
2. Ультразвук — используется в медицине (УЗИ), промышленности (дефектоскопия) и даже для отпугивания животных.
3. Акустика зданий — учитывает отражение, поглощение и распространение звука.
4. Шумоподавление — создание звуковой волны, противоположной по фазе, для гашения нежелательного шума.

Интересный факт

На Луне звук не распространяется — ведь там нет атмосферы, а значит, и среды, способной передать звуковые колебания. Там можно лишь "услышать" вибрации через контакт с объектом, но не по воздуху.

Заключение

Звук — это не просто ощущение, это физическое явление, в котором участвуют колебания, энергия и законы движения. Понимание физики звука важно для инженеров, музыкантов, врачей и всех, кто работает со звуком и технологиями.